Подкаст

Перед тем как перейти к рассказу о поп-арте, его художниках и работах, хотим напомнить, что наш проект имеет две составляющие: основную экспозицию самых известных представителей поп-арта, а также ту часть, где представлены немножко менее известные, но не менее интересные беларусские авторы и их работы. Также предлагаем вам обязательно попробовать пройти наш квест. Он представляет собой несколько заданий по экспозиции, которые позволят в увлекательной форме познакомиться с экспозицией. Вы можете взять печатный вариант у администратора или кассира или же просто пройти по ссылке на страничке с аудиогидом – и пройти квест прямо с вашего телефона. Советуем вам проходить квест на телефоне – в нем найдете текстовые или видеоподсказки, сможете сразу узнать правильный ответ, да и дадите передохнуть нашим кассирам и администраторам.

Ну и еще небольшая просьба от нас: на страничке с аудиогидом вы найдете ссылки на наши социальные сети – подпишитесь, пожалуйста, и оставайтесь с нами на связи. Не забывайте также отмечать нас в социальных сетях, когда будете выкладывать свои прекрасные фото с нашей выставки. Ну что, начнем знакомиться с экспозицией!

Как же хороша была жизнь в Западной Европе и США в середине 50-х годов прошлого века! Ну, сами посудите – раны Второй мировой войны затянулись? Затянулись. Благосостояние населения возросло? Возросло. Уровень социального оптимизма подтянулся? Ну прямо неимоверно подтянулся. Тут и рок-н-ролл, наконец, появился, и бэби-бум вовсю разошелся, и производство товаров массового потребления на новый уровень вышло – радиол, ну или штанов, например, стало много и они стали дешевыми. Хорошо жить!

В связи со всем этим в авангардном искусстве, всегда чутком к актуальности и падком до социальности, должно было появиться что-то, что всю эту радость простого бытия выразит. И появилось же!

Поп-арт появился в Англии, но полного совершенства и красоты достиг в Америке, так что мы будем говорить в основном об американском поп-арте. А до поп-арта американец и отчасти англичанин вынуждены были потреблять абстрактный экспрессионизм – направление крупное, серьезное, но не лишенное, скажем так, некоторых экстравагантностей. Что такое абстрактный экспрессионизм рассказывать отдельно не будем, просто взгляните в прикрепленных материалах на несколько работ этого стиля – и вам всё станет ясно.

Главное различие абстрактного экспрессионизма и поп-арта состояло в том, что абстрактный экспрессионизм ничего знакомого не показывал, а поп-арт показывал исключительно знакомое. Поп-арт изображал все то же и так же, что и реклама, глянцевые журналы, телевидение, комиксы и прочие массмедиа.

Получилось, что вроде как поп-арт вернул в искусство реальность, которую сложно отыскать в абстрактном экспрессионизме. Но это не совсем так: поп-арт имел дело  не с реальностью и ничего он никуда и никому не возвращал. Он имел дело с изображением этой реальности в массмедиа. То есть Мэрилин Монро для него не реальный человек, а миф или знак, закрепленный в поп-культуре.

Ну а сам термин “pop art” появился в результате сокращения английского выражения “popular art”, что переводится как «популярное» или «общедоступное искусство». А раз искусство общедоступное, то предлагаем вам не откладывать знакомство с поп-артом в долгий ящик, а начать знакомиться с ним через работы в нашей экспозиции. Так-то и понятнее будет, вероятно!

Ни для кого не секрет, что идея поп-арта возникла как способ сделать искусство массовым и доступным для каждого. На выставке вам предстоит познакомиться с широким спектром работ в различных техниках.

Например, известно, что начиная с 1962 года, Энди Уорхол много работал с шелкографией, иными словами, с трафаретной печатью.  Благодаря этой технике работы Уорхола же в буквальном смысле штамповались одна за другой. Его портреты Мэрилин, “Банки супа Кэмпбелл” и “Цветы” как раз выполнены в этой технике. Каждая работа на обороте вместо традиционной подписи имеет шутливый синий штамп автора «Fill in your own signature», что можно грубо перевести как “Подпишите так-то сами!”.

Работы таких художников, например, как Джеймс Розенквист или Роберт Индиана, будут представлены как в оригинальных выполненных художниками и подписных литографиях, так и в афишах и плакатах, поскольку основная идея выставки в том, чтобы рассказать историю поп-арта и сделать это максимально полно – мы постарались сделать это на примере 20 самых ярких художников данного направления.

Также на выставке будет выставлена работа Мела Рамоса, выполненная в период, когда он увлекся техникой эмали. Она сделана художником на металлической пластине и подписана.

Тот же Энди Уорхол оформил альбом «Sticky Fingers» для The Rolling Stones, например, а Питер Блейк – «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band» для The Beatles – и оба этих творения будут показаны в оригинальных пластинках.

Резюмируя скажем, что собранная коллекция – это плод более чем полуторалетних переговоров с коллекционерами и галереями. А некоторые доступные для нас плакаты и афиши приобретались в европейских и американских галереях и на аукционах.

Если и существовал художник, олицетворявший собой все направление поп-арта, то это, безусловно, был Энди Уорхол. Он, если можно так сказать, стал лицом американской поп-культуры и возвел ее образы в статус музейного искусства. Уорхол использовал второсортные изображения звезд и потребительских продуктов, которые, по его мнению, обладали некой «внутренней банальностью», делавшей их более интересными. Художник был по-настоящему очарован этой банальностью, которую запечатлел в целой серии сюжетов, начиная от портретов знаменитостей и заканчивая банками супа.

Банка супа «Кэмпбелл» – произведение, которое круто изменило жизнь Энди Уорхола. Наконец, к нему пришла слава, признание и в связи с этим материальный достаток. До тех пор художнику неустанно напоминали – коммерческие иллюстрации, которыми он в то время занимался, не имеют к высокому искусству никакого отношения, но Уорхол сломает этот стереотип, бросив вызов обществу.

История началась с отпуска. Художник решил сделать паузу, чтобы отдалиться от работы и придумать что-нибудь совершенно новое. Какие только эксперименты не проводил мастер – рисовал мультяшных персонажей, смешивал краски, оставлял на асфальте белые листы, чтобы прохожие оставляли на них отпечатки своих ботинок. Однако нужная идея пришла неожиданно – кто-то подсказал Уорхолу: нужно рисовать то, что любишь. Так появились знаменитые банки с супом. Художник признавался, что этот суп был его обедом в течение 20 лет. Стоит упомянуть, что банки нужны были не только ради содержимого – мать Уорхола Юлия увлекалась изготовлением цветов из жестяных банок, которые после продавала за небольшую цену.

И вот Уорхол отправляет Юлию в магазин, чтобы та купила все виды супо́в марки «Кэмпбелл». И художник на целый год погрузился в процесс создания нового шедевра. Итогом стал цикл работ из 32 полотен, выполненных в технике шелкографии. 9 июля 1962 года в галерее Ferus в Лос-Анджелесе банки с супом были впервые представлены обществу и… произвели ошеломительный эффект. Гости экспозиции говорили, что это простое по сути изображение заставило о многом задуматься – о безликости массового потребления, о пошлости и одинаковости, и, в том числе, о бездушии окружающих предметов. Уорхол мгновенно понял: он нашёл то, что искал. Уже по прошествии лет Уорхол говорил, что считает«Банки с супом Кэмпбелл» самым удачным своим произведением.

После “Банок с супом Кэмпбелл” творческая и общественная жизнь художника пошла гладко. Он много работал, выбирая самые неожиданные идеи, и регулярно обращался к портретам известных личностей.

Кажется, что от Энди не ускользнула ни одна значимая фигура его времени. Поэтому неудивительно, что однажды в его поле зрения попала неподражаемая Норма Джин Бейкер, известная всему миру как Мэрилин Монро. Здесь сошлось всё – красивая женщина (хотя женщины, кажется, Уорхола мало интересовали), её необычная судьба и связь с сильнейшими мира сего. Ну и самоубийство вдобавок. Энди испытывал болезненный интерес к теме смерти, особенно на закате своего творчества.

Актриса еще при жизни стала иконой, женщиной-богиней, мечтой всех мужчин. Уорхолу осталось лишь перенести её образ на полотна. Именно полотна, так как вы помните, что благодаря той самой технике шелкографии произведения мастера многократно тиражировались.

За основу Уорхол взял знаменитый рекламный снимок Мэрилин из фильма «Ниагара» 1952 года, который найдёте в прикрепленных фото.

Сегодня эта работа воспринимается противоречиво, так как современный зритель знает какой сложный характер, подвижная психика, сколько неудовлетворённых простых человеческих потребностей скрываются за яркой маской всемирной красавицы, а по сему, восхищаясь, непременно вспоминает о трагической развязке.

Зритель видит перед собой женщину, но не в её реальном облике, а как собственно икону: идол современности должен оставаться идолом и на полотне. Все свои портреты знаменитостей Уорхол тщательно обрабатывал, лишая всех маломальских недостатков. Герой времени должен быть прекрасен – вот и с представленных работ на нас глядит идеальная Мэрилин.

Образ, как некое клише и даже готовое лекало, оказался настолько удачным и знаковым, что вскоре его окрестили весьма громкими именами – «Джоконда XX века» и… и даже «Дева Мария XX века».

Серия «Цветы» 1964 года — это освежающий и удивительный отход от характерных для художника тем поп-культуры и коммерциализации.

Учитывая предыдущую работу Уорхола, его решение изобразить цветы может показаться нелогичным. Проект, который он создал до этого, представлял собой серию под названием «13 самых разыскиваемых мужчин», где он, собственно говоря, и изобразил 13 самых опасных и разыскиваемых преступников 1962 года.

Интересно, что вместо прямой встречи с самой природой Уорхол использовал для создания этих отпечатков фотографию цветков гибискуса, которую он нашел в выпуске журнала “Modern Photography” за 1964 год. Он всего лишь существенно усилил контраст, а мелкие детали изображения были практически стерты, поэтому работы Энди из этой серии являются наиболее абстрактными его произведениями. Когда Патриция Колфилд, автор этой фотографии, узнала о том, что Уорхол одолжил её снимок, то она подала иск против художника  за несанкционированное использование ее изображения. Есть что-то ироничное, почти комичное в том, что на Уорхола подали в суд за использование простого изображения цветов после того, как он много лет тиражировал этикетки продуктов, защищенных авторским правом.

Кстати, цветок на шелкографиях Уорхола с трудом поддается идентификации, и критики в то время не могли идентифицировать его точно, что и было частью интриги. В “New York Herald Tribune” цветы были идентифицированы как анемоны, в “Village Voice” — как настурция, а в “Arts” и “Art News” – вообще как анютины глазки.

Бэнкси — один из главных художников современности, работающих с граффи́ти. Успех мастера заключается и в злободневности его произведений, и в умении презентовать свое творение в формате перформанса. Например, в 2018 году картина «Девочка с воздушным шаром» прямо во время аукциона Sotheby’s стала самоуничтожаться сразу же после объявления о продаже. Как выяснилось позже, в рамку был установлен шредер, порезавший полотно на мелкие ленточки. Результат этого перфоманса можно тоже поискать в прикрепленных изображениях. Обладательница лота с сюрпризом не стала отказываться от него, а позже выставила на торги повторно, изменив название на… «Любовь в мусорном баке». Произведение искусства про́дали за рекордные 25,4 миллиона долларов.

Нола, которую также часто называют “Девушка дождя”, впервые появилась в качестве граффити на стене в Новом Орлеане в США. Случилось это еще в 2008 году. Здесь Бэнкси использует тот же образ маленькой девочки, как и в других своих работах, таких как, например, упомянутая раньше «Девочка с воздушным шаром». Мы видим девочку в черно-белом платье с черным зонтом в одной руке, протягивающую вторую руку из-под зонта, чтобы понять, идет ли дождь. На сером фоне с зонта стекают капли дождя. Вероятно, граффити имеет отношение к урагану Катрина, который покинул город в опустошении в 2005 году.

Тот природный катаклизм запомнился выходом из строя средств защиты от наводнений, которые были как раз разработаны для защиты граждан от такого рода напастей. В результате стихийного бедствия погибли 1836 человек. Естественно, что зонт, который видим на работе Бэнкси, предназначен для того, чтобы человек, использующий его, оставался сухим и защищенным от непогоды. Тот факт, что дождь падает не с неба, а изнутри зонта, — это, вероятно, способ Бэнкси показать зрителю, что те самые вещи (или даже целые институты), которые были созданы и призваны, чтобы защищать нас, иногда могут не справляться со своими задачами и подвергаться значительной критике за это. Так было с Федеральным агентством по управлению в чрезвычайных ситуациях и американским правительством, которые были подвергнуты мощнейшей критике за свои действия во время и после урагана Катрина.

Примечательно, что принт этого мурала был впервые выпущен в 2008 году тиражом в 289 экземпляров, что соответствует, скажем так, “возрасту” города Новый Орлеан, где, собственно, впервые и появилось это изображение.

В «Охотниках за тележками» Бэнкси использует свой фирменный черный юмор, чтобы высмеивать то, что он считает пороками общества. Это смехотворная сцена, изображающая трех присевших охотников, выслеживающих свою «добычу». Но их оружие нацелено не на буйвола или антилопу, а на «стадо» магазинных тележек.

Работа служит острой сатирой о том, насколько человечество стало зависимым от товаров массового производства. Это подчеркивает нашу неспособность обеспечить себя за пределами современного капитализма и то, насколько мы стали далеки от наших базовых инстинктов.

«Охотники за тележками» были частью новаторской выставки Бэнкси «Barely Legal» в 2006 году на складе в Лос-Анджелесе. Это шоу сделало анонимного уличного художника из Бристоля суперзвездой. Но, несмотря на то, что работа была создана 16 лет назад, «Охотники за тележками» — как, кстати, и большая часть творчества Бэнкси — остается устрашающе пророческим.

Наши потребности сегодня могут быть не такими, как у неандертальца. Однако, поскольку мы зависим от капиталистических структур, и если вдруг они перестанут функционировать, то мы рискуем остаться с пустыми руками, как охотники Бэнкси. Это стало еще более очевидным во время пандемии, когда многие отрасли остановились, а негативные последствия — нарушенные цепочки поставок, задержки и нехватка — продолжаются, даже когда мир начинает восстанавливаться.

Заканчивая рассказ об этой работе, хочется процитировать Алекса Бранчика из Sotheby’s, который сказал: «Несмотря на все наши эволюционные достижения за последние 40 000 лет, человечество сегодня сведено к своим первобытным инстинктам: например, всё те же охотники-собиратели устраивают драки в проходах супермаркетов, чтобы в панике купить туалетную бумагу, которая им даже не нужна».

«Мрачный жнец» был напечатан ограниченным тиражом еще в 2005 году. Это одна из самых ранних и узнаваемых работ Бэнкси. Держа свою традиционную косу и небрежно сидя на большом циферблате, привычное нам лицо с капюшоном странным образом заменяется ярко-желтым смайликом. К сожалению, оригинальное уличное граффити было закрашено в 2007 году, так что теперь нам остается лицезреть эту работу на принтах, один из которых перед вами.

Часы, напоминающие легендарный лондонский Биг Бен, показывают пять минут до полуночи, как будто Жнец ждет часа, чтобы пробить, прежде чем приступить к своим ужасным обязанностям. Плоский, желтый смайлик – это единственный яркий элемент на работе, которые, между прочим, влияет на наше восприятие зловещего Жнеца. Согласитесь, мы воспринимаем его уже не так категорично, как делали бы это, не будь на работе этой яркой детали? Хотя, фактически, эта просто маска с ее пустой гримасой, которая на самом деле может выглядеть даже угрожающе.

Вероятно, что это работой Бэнкси хотел показать тот негативный вклад человеческой деятельности в надвигающуюся глобальную катастрофу. На это указывает время на часах, как бы подразумевая, что безвозвратный конец уже близок. Преобладание черного цвета в композиции еще более усиливает это мрачное послание. Улыбающееся лицо, повторяющееся в творчестве Бэнкси высмеивает как раз таки обреченную публику и их неизбежную судьбу. Возможно, и вас эта работа подтолкнет к каким-либо размышлениям и уже завтра вы начнёте, например, раздельно собирать мусор – а почему бы и нет? Большое начинается с малого!

У каждого популярного художника поп-арта есть по крайней мере один ассоциативный символ, характеризующий его творчество. У Энди Уорхола — это банка супа Кэмпбэлл, у Роя Лихтенштейна — комикс, а у Джаспера Джонса — американский флаг. Именно с работами Джаспера Джонса мы сейчас с вами немного познакомимся. В одном из своих интервью этот еще один известный представитель поп-арта сказал: «Однажды мне приснилось, что я рисую американский флаг, и, проснувшись, я сделал это. Нарисовал сначала один, потом другой, так и получилась серия…»

Примечательно, что в 1980 году Нью-йоркский музей современного искусства (он же МоМА) купил у художника картину «Три флага» за миллион долларов, и на тот момент это была самая высокая цена, которую когда-либо платили за картину живого художника. Позже Джонс несколько раз на аукционах побил собственный рекорд – всё это были работы с изображением флагов. Вообще, флаги в творчестве Джонса стали не только верным способом заработка, но и визитной карточкой – художник даже удосужился в 1960 году отлить «Флаг» в бронзе. Позднее в серии с флагами было создано около сорока работ. Использование такого важного для американцев символа вызвало многочисленные дискуссии по поводу содержащихся в произведении смыслов. В то время как критики спорили, уважительно ли отнесся Джаспер Джонс к звездно-полосатому, художник заявлял, что ему интересны прежде всего сами звезды и полосы, то есть геометрия флага как предмета. А закончить повествование о флагах Джонса хочется его же цитатой: «Одни говорят, что написанный мной флаг нужно рассматривать только как картину, другие, что картину стоит рассматривать как флаг. Вообще-то я подразумевал и то, и другое, так что вам необязательно выбирать».

Конечно, Джаспер Джонс в первую очередь известен своими флаги, но давайте задержимся возле еще одной интересной работы. В 1973 году Джаспер сделал принт «Чаша 2 Пикассо». Джонс «всегда искал идеи, которые оказывали бы влияние на зрителя более чем одним способом». Поэтому на этой работе Джонс предстает перед нами иллюзионистом. Присмотритесь, на этой работе два зеркальных профиля создают изображение чаши. Это отличный пример так называемой иллюзии «фигуры и фона», когда зрители видят чашу или пару силуэтов. Примечательно, что эти профили, которые формируют изображение чаши посередине, принадлежат особенному человеку, которого выбрал Джонс.

Это профиль известного художника, который повлиял на Джонса, а именно – Пабло Пикассо. Когда Пикассо скончался в 1973 году, Джонс как раз и решил создать литографию «Чаша 2 Пикассо» в память о гении. Для этого он использовал одну из фотографий Пабло.

Хотя «Чаша для Пикассо» создавалась в честь великого испанца, однако идея пришла от другого художника, который также повлиял на Джонса. Кто же этот второй художник? А это  Марсель Дюшан, который оказал влияние на Джонса с точки зрения концептуального искусства. Идея взята из «Автопортрета» Дюшана 1957 года с черным профилем его лица, который вы можете увидеть в прикрепленных иллюстрациях.

Наверное, можно было бы не рассказывать вам о некоторых художниках поп-арта, но не рассказать о Рое Лихтенштейне нельзя. Лихтенштейн изобрел свое собственное направление в рамках поп-арта, основанное на хорошо знакомых всем визуальных образах — журналах с комиксами. Это был стиль с жестко фиксированным форматом: черные рамки, яркие чистые цвета и оттенки, созданные с помощью характерных точек, так называемых, точек «Бен-Дэй».

Его работы, основанные на комиксах, поначалу шокировали, но, как и в случае со многими поп-художниками, были довольно благосклонно приняты галереями и коллекционерами. Хочется поделиться с вами еще одной цитатой, на мой субъективный взгляд самой интересной в нашем аудиогиде. Так вот, Лихтенштейн сформулировал мысль следующим образом: «Было очень сложно написать картину настолько отвратительную, что никто не захотел бы повесить ее к себе на стену. В конце концов, было приемлемо вешать на стену тряпку, забрызганную краской, все к этому привыкли. Единственным, что все ненавидели, было коммерческое искусство, но, очевидно, и его они ненавидели недостаточно сильно».

Несмотря на то, что в стиле Лихтенштейна откровенно присутствуют элементы иронии и юмора, но в то же время его работы остаются в рамках традиций в использовании линий, форм, оттенков и цветов как композиционных элементов.

А теперь обратимся к работе “Безнадежность”, которая прямо сейчас перед вами. При её создании Лихтенштейн вдохновился изображением Тони Абруццо, которое он увидел в выпуске журнала «Secret Hearts» за ноябрь 1962 года.

Рой Лихтенштейн создал много работ на основе комиксов, изображающих женщин, которые озадачены вопросами любви и романтики. «Безнадежность» – одна из таких картин, которые он написал в 1960-х годах.

На работе изображена уязвимая молодая женщина со слезами на глазах. Она заполняет большую часть холста. При этом Рой внес некоторые изменения в оригинальное изображение, применив яркие цвета вместе с волнистыми и смелыми линиями, которые усиливают эмоции на картине.

Хотя сюжет и был взят из комиксов, однако художник хотел изобразить реальный стресс, который испытывают женщины, особенно из-за любовных проблем.

Женщина на картине молода и красива, но со слезами на глазах. Лихтенштейн использовал яркий цвет для ее волос, чтобы подчеркнуть зрителю красоту этой женщины, а также разместил на работе небольшую выноску, чтобы показать, что же творится в голове у несчастной красавицы.

Резюмируя, можно достаточно уверенно сказать, что главная тема картины «Безнадежность» – это романтика и проблемы, с которыми женщины сталкиваются в своей повседневной жизни, да и в обществе в целом. Надеюсь, слушающие аудиогид девушки, не узнаЮт на этой работе себя.

Впервые образ LOVE был создан американским художником Робертом Индианой (он же Роберт Кларк) в 1964 году в виде открытки, которую он разослал нескольким друзьям и знакомым из мира искусства. В 1965 году Роберту Индиане было предложено выдвинуть произведение искусства для ежегодной рождественской открытки Музея современного искусства в Нью-Йорке. Индиана представил несколько 12-дюймовых квадратных вариаций на основе своего изображения LOVE. Музей выбрал наиболее насыщенное сочетание красного, синего и зеленого цветов. Позже в интервью Роберт Индиана сказал: «Это была самая прибыльная рождественская открытка, которую когда-либо публиковал музей».

Историк нью-йоркского Музея современного искусства Дебора Уай описывает образ Индианы как «полный эротической, религиозной, автобиографической и политической подоплеки», что делает его «одновременно доступным и в то же время сложным по смыслу».

Индиана рассказывал, что его вдохновили эти цвета, потому что его отец работал на заправочной станции Phillips 66, чьи цвета в то время были как раз зелено-красными. Тем не менее считается, что всё же его вдохновила картина «Красный синий зеленый» бывшего партнера Эллсворта Келли. В этом вы можете убедиться, если посмотрите на эту картину в прикрепленных иллюстрациях.

В 1973 году Почтовая служба США выпустила восьмицентовую марку с изображений LOVE Роберта Индианы в преддверии Дня святого Валентина. Презентация состоялась в Художественном  музее Филадельфии и марка стала настолько популярной, что в течение следующих двух лет было напечатано 425 миллионов экземпляров. Резюмируя, можно сказать, что образ LOVE Роберта Индианы стал самой настоящей поп-иконой.

КСТАТИ, в 2008 году, в поддержку президентской кампании Барака Обамы, Индиана отчеканил еще одну версию своего бестселлера с английским слово HOPE, что значит «надежда». Скульптура стоит на тихом острове Винальхафен, штат Мэн – именно там, где Роберт Индиана жил до самой смерти в 2018 году, переехав сюда из Нью-Йорка еще в 1978 году.

Когда говорят о поп-арте, сразу называют имена Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна. Но первыми все же были не они, а как раз Том Вессельман. Его первая персональная выставка состоялась в нью-йоркской галерее “Tanager” [ˈtanəjər] в 1961 году и стала громким заявлением, целой манифестацией нового художественного направления. И если Уорхол сосредоточился на знаменитостях, а Лихтенштейн — на комиксах, то Вессельман принялся за художественную переработку так называемых «пинапов» — плакатов с изображениями полуобнаженных девушек, которые прикалывали на стену.

Интересно, что рисовать он начал во время службы на Корейской войне в самой середине прошлого века и впоследствии решил стать карикатуристом. После войны он оканчивает университет, параллельно рисуя комиксы для мужских и юмористических журналов. А в 1956 году художник переезжает в Нью-Йорк, где знакомится с творчеством Виллема де Кунинга и решает заняться живописью.

Стоит отметить, что на все его творчество оказала серьезное влияние знаменитая серия де Кунинга «Женщины». Загляните в прикрепленные изображения, если хотите познакомиться с одной из этих дам из серии де Кунинга поближе. Уже с середины 60-х Вессельман долгие годы пишет две серии работ: «Натюрморты» и «Великие американские обнаженные». Нам, безусловно, интересна вторая из упомянутых серий. Однако, как вы возможно успели заметить, стиль, в котором пишет своих обнаженных женщин Вессельман, разительно отличается от абстрактного стиля да Кунинга.

Вессельман не писал их с реальных моделей. Образы он брал с рекламных плакатов и постеров. А единственной женщиной, которая позировала ему, была жена художника Клер Селли.

Интересно, что еще одним художником, вдохновлявшим Тома Вессельмана, был Анри Матисс. И у того и у другого работы в стиле «ню» не были в первую очередь нацелены на передачу сексуальности. Через стереотипы о женской привлекательности Вессельман иронично показывал эмансипированную американку. Художник лишал своих героинь индивидуальности.

Зато вывел классическую формулу «красоты по-американски»: загорелое тело, но с бледной полоской по линии бикини, светлые волосы, белозубая улыбка, красная помада. Всё это вы увидите, если обратитесь к другим работам из его самой знаменитой серии.

Калифорниец Мел Рамос был в числе 12 авторов, чьи работы показали на легендарной выставке в Окружном музее Лос-Анджелеса в 1963 году — одной из первых экспозиций, посвященных новому движению поп-арт в США.

Мел Рамос в своем творчестве сконцентрировался не только на изображении товаров масс-маркета вроде шоколадок, пачек сигарет Lucky Strike и бутылок с кока-колой. Он пошёл дальше и добавил ко всем этим товарам фигуры сексуальных красоток в стилистике «пинап» и супергероинь из комиксов.

По сути, его гламурные девушки мало чем отличаются от гротескных и жутких «Авиньонских девиц», которых изобразил Пабло Пикассо на своем полотне 1901 года. За заманчивым фасадом красоты гламурных девиц изображенных Рамосом, ощущается пустота, которая вызывает ассоциации с симпатичными, отполированными до блеска куклами Барби на полках супермаркетов. Элементы гиперреализма, которые использует в картинах Мел Рамос, только усиливают это ощущение.

Сияющая идеальность тел на картинах Мела – символизирует приманку в ловушке, на которую должен попасться потребитель массово рекламируемых продуктов. В мире рекламы нет места грязи, потерям или печали, а соответственно, и разочарования в нем нет.

Американские и европейские феминистки традиционно выступали против творчества Мела Рамоса, заявляя, что художник своими работами оскорбляет весь женский род, якобы пропагандируя потребительское отношение к женщинам. К обвинениям со стороны феминистического движения Мел Рамос относился с юмором и до самой своей смерти продолжал работать в выбранном им художественном стиле.

Поп-арт искусство Мела Рамоса уже давно пересекло рубеж XXI-го столетия, но и по сей день остается актуальным, олицетворяя ироничную критику американского «потребительского рая».

В 1955 году, окончив университет, Розенквист переехал в Нью-Йорк и стал работать в рекламном агентстве. Он расписывал огромные рекламные панно, болтаясь в люльке на такой высоте, где даже перелетным птицам становилось страшно. Там, в поднебесье, Розенквист вырабатывал свой будущий художественный язык.

Параллельно он рисовал картинки, абстрактно-экспрессивные, как и было положено тогда в меру продвинутому начинающему американскому художнику. Но уже тусовался среди набирающих силу поп-артистов типа Джонса и Раушенберга. По их примеру он начинает использовать в искусстве умения, полученные в рекламе. Вот что рассказывал в интервью сам Розенквист: «Я прошел очень строгую школу — нужно было написать предмет так хорошо, чтобы его покупали, а не то меня бы уволили. Торт, бутылка виски, сигареты, голливудская звезда — все должно было быть равно идеально».

Кончилось все тем, что в 1961 году Розенквист бросает работу в рекламном агентстве после того, как двое его коллег сорвались с канатов, на которых они были подвешены во время работы… и Джеймс уходит в поп-арт. Уже на следующий год его первая персоналка – чуть ли не первая его выставка вообще. Стоит отметить, что она произвела полный фурор — все работы были распроданы. Таким образом, Джеймс Розенквист рано добился широкого признания и на протяжении всей профессиональной карьеры был востребованным художником.

Если говорить о его творчестве, то Джеймс Розенквист известен своими огромными картинами-коллажами, изображающими популярные объекты американской культуры. Загляните, пожалуйста, в прикрепленные материалы, чтобы лучше понять, о чем идет речь. Он одним из первых начал включать рекламные образы в свои произведения. Для современного зрителя, который привык к тому, что на картине может быть все что угодно, нет ничего удивительного в том, что на полотне изображены спагетти в соусе или бутылка Кока-Колы рядом с портретом президента. Но для общества 1960-ых годов это было настоящим открытием и даже шоком, поэтому работы художника привлекали пристальное внимание публики.

Картины Джеймса Розенквиста представляют собой набор совершенно разных, никак не связанных между собой объектов. Вырванные из контекста, они наслаиваются и сталкиваются друг с другом в каком-то условном пространстве. Он использовал уже готовые образы, которые все каждый день могли видеть в рекламе или в телевизионных передачах, и по-своему изменял их, дополняя новыми неожиданными деталями. По сути, изображаемые предметы были уже готовыми объектами, которые художник комбинировал и размещал на плоскости по своему усмотрению.

Чтобы чуть лучше понять, откуда растут ноги творчества Розенквиста процитируем одно его интересное воспоминание: “Всё, что я делаю автобиографично. В детстве, из-за жары в прериях Северной Дакоты, у меня бывали галлюцинации. Я мог увидеть что-нибудь вроде лошадей высотой с трёхэтажный дом. <…> Там ощущаешь всё по-другому. Такие вещи и стали вдохновением.”

Вот такой он был — Джеймс Розенквист.

Алекс Кац — живой классик, несомненно, один из величайших американских художников, записанный искусствоведами в праотцы поп-арта.

В конце 1950-х, когда первое настоящее направление американского искусства – “абстрактный экспрессионизм” – сходит на нет, Алекс Кац создаёт новую оригинальную фигуративную живопись, предвосхищая появление поп-арта.

Главное слово, характеризующее работы Каца — безмятежность. Художник всегда работает с натуры, продолжая пленэрную живописную традицию. Идиллически застывшие портреты, пейзажи и сцены с вечеринок завораживают цветами и ясными линиями, четкими ритмами и странным рассеянным светом. Они расслабляют зрителя и понятны каждому.

«Я люблю рисовать то, что поймут парни из Квинса, с которыми я гоняю в мяч», — говорит художник.

Аукционный рекорд на работу Алекса Каца — это “зловещие” 666 тысяч долларов. Именно столько американский покупатель выложил за картину «Голубой зонтик #2» в ноябре 2001 года. В нашей же экспозиции вы можете видеть коллекционный плакат с изображением этой работы Алекса.

В “Голубом зонтике #2” центр композиции — это жена художника, Ада, стоящая под голубым зонтом под дождем. Она же его самая частая муза. Как и подобные ей героини кинофильмов 1960-х и начала 1970-х годов, Ада на этой работе спокойна и уверена в том, что является объектом произведения искусства. Она кажется отчужденной и уязвимой и одновременно теплой и загадочной. Фигура, стоящая под дождем под зонтом, — повсеместный сюжет живописи ХХ века, начиная еще с импрессионистов. Ренуар, Мане, Моне обращались к такому сюжету, а наиболее известной, вероятно, является картина Гюстава Кайботта “Парижская улица в дождливую погоду”, написанная им в 1877 году. Эту работу  вы можете увидеть в прикрепленных материалах.

Все они нашли обыденность этого предмета убедительной и идеально подходящей для их современных намерений поднять сцены из повседневной жизни до уровня настоящего искусства.

В завершение заметим, что хотя работы Каца 60-х и начала 70-х по времени и совпадают с поп-артом, однако на самом деле его творчество выглядят скорее как заигрывание с визуальными эффектами поп-арта, а не как характерный направлению ироничный комментарий о культуре потребления.

Мы постарались сделать ваше посещение проекта немножко более полезным и, надеемся, занимательным. Хочется верить, что у нас получилось. Не забудьте подписаться на наши социальные сети, которые найдете прямо на страничке с аудиогидом, и обязательно загляните за сувениром на кассу. Наши социальные сети всегда открыты для ваших конструктивных пожеланий и замечаний по аудиогиду, да и по всему выставочному проекту в целом.

Искренне хотим поблагодарить нашего генерального партнёра – Открытое акционерное общество «Минск Кристалл», а также официального партнёра – сеть кофеен Cofix, при поддержке которых мы реализовали проект “Мировой поп-арт: от Уорхола до Бэнкси”.

Дзякуй, что сегодня были с нами!