Подкаст

Пользоваться аудиогидом достаточно просто, а пользоваться им в наушниках еще проще. Если таковые у вас с собой имеются, то будем признательны, если воспользуетесь ими. Обращайте внимание на иконки с наушниками и номерами в экспозиции. Если видите такие, то смело переключайтесь на дорожку с соответствующим номером в нашем подкасте. Если у вас вдруг возникнут вопросы по использованию подкаста – обязательно обращайтесь к администратору.

Что же собой представляет сама выставка? В экспозиции будут представлены более 60 японских ксилографий XIX века в стиле укиё-э, что переводится с японского как «картины ускользающего мира».

Кроме японской графики нашу экспозицию украшают десятки работ беларусских авторов – надеемся, что они тоже не оставят вас равнодушными и, возможно, украсят ваш Instagram, а также займут почетное место в вашем сердечке.

По сложившейся традиции вы можете попробовать разгадать квест по выставке, который представляет собой несколько заданий по экспозиции. Поверьте, с ним на порядок интереснее гулять по выставке, а если разгадаете все задания правильно, то получите приятный бонус от Галереи FARBA.

Также мы постарались добавить оригинальные фотозоны в нашу экспозицию. Первая из них встречает вас прямо на входе – здесь мы постарались воссоздать небольшой кусочек Японии в пространстве выставки. Вторая фотозона ждет вас в самом конце экспозиции. В ней вы сможете взглянуть, как бы вы выглядели, если бы были героем анимэ. “Пилите” контент на здоровье и не забывайте отмечать Галерею FARBA.

Ну и в качестве кульминации всего проекта вас ждет иммерсивный фильм “Сны о Японии”, созданный специально для данного проекта. Фильм дает возможность проследить многовековую историю укиё-э и окунуться в мир красоты, самобытности и гармонии японской культуры. Вы сможете полностью погрузиться в происходящее вокруг благодаря проецированию фильма на стены и пол мультимедийного зала.

Перед тем как начать повествование по выставке, хочу сразу попросить прощения за мой японский. Старался выверять все ударения, но если где-то что-то попутаю – не судите строго!

Итак, японская ксилография (а что такое ксилография расскажем немного позже!) получила распространение в среде города Эдо (старое название современного Токио). Сёгун Токугава Иэясу занимался планомерным развитием небольшого поселения, оставив после себя город с полумиллионными населением. Сёгунами в Японии называли военных диктаторов, которые обладали реальной властью и управляли Японией с 1190-х годов и вплоть до 1868 года. Так вот, в течение XVII-XIX веков Эдо и его замок были главной цитаделью сёгунов и основной резиденцией 15 поколений сёгунов рода Токугава. Сюда стягивались не только ремесленники и купцы, но также учёные, художники и писатели, что обеспечило городу мощный экономический и культурный рост. В 1868 г. после свержения сёгуната и восстановления императорской власти столица Японии была перенесена из Киото именно в Эдо.

Здесь в городском обществе зародилось направление изобразительного искусства, которое обозначают термином «укиё-э» (в переводе с японского – «картины меняющегося (ну или “ускользающего”) мира»). Это понятие было заимствовано из философии дзэн-буддизма, для которого важно осознание бренности человеческого бытия по сравнению с Вечностью. Поэтому в школе дзэн на первый план выдвигалось постижение жизни «здесь и сейчас» и любование мимолетными мгновениями настоящего.

Цветные оттиски укиё-э были более доступны по сравнению с живописными свитками и распространены среди самых разных слоев городского населения: ими украшали интерьеры домов, помещали на раздвижные двери комнат, экраны и ширмы.

Изобразительное искусство укиё-э было очень сильно связано с поэзией танка и хайку (ну или хокку) (хм, хотя господин японский посол, который успел посетить нашу выставку, кажется, делал ударение на другой слог – хайкУ, но не суть). Так вот, как я начинал говорить, изобразительное искусство укиё-э было очень сильно связано с поэзией танка и хайку, которая также стремилась в предельно простой форме передать миг настоящего и при этом вместить всё пространство и весь мир. В период расцвета японской ксилографии художники нередко в содружестве с писателями и поэтами создавали композиции для гравюр. Поэтому очень часто изображение и текст носят равноправный характер. Вот так вот!

Двигаемся дальше. В японской ксилографии существовало разделение на жанры: «бидзин-га», например, – это изображения красивых людей, «якуся-э» – портреты популярных актёров театра кабуки, «сюнга» (они же «весенние картинки») – это уже эротические гравюры, а «катё-га» – изображения цветов и птиц, «фукэй-га» – это природные пейзажи и городские виды. И, наконец, «муся-э» – это жанр, в котором изображали знаменитых самураев.

Зачастую отдельные мастера, а также целые школы специализировались только на одном жанре (как например, Коно Байрэй, работы которого вам предстоит увидеть, был известным мастером катё-га, или школа Утагавы Кунисады, которая большОе внимание уделяла изображениям театральных постановок кабуки и актёров). Крупные мастера, такие как Андо Хиросигэ и Кацусика Хокусай (да-да, оказывается именно такое ударение, хотя лично я привык называть его КацусИка ХокусАй), так вот, эти мастера работали в спектре жанров, но больше всего знамениты именно своими пейзажными изображениями.

После периода восстановления власти императора, вошедшего в историю как Революция, или Реставрация Мэйдзи, а это с 1868 по 1889 год, закончилась полная изоляция Японии от других стран. В страну начали активно проникать западные предметы и европейский образ жизни. С появлением фотографии начал исчезать феномен укиё-э. Фотография предстала совершенным способом фиксации настоящего и полностью заменила собой изображения ксилографии.

Так а что же такое ксилография и какова история этого вида печатной графики в Японии? Разберемся прямо сейчас.

Ксилография, то есть техника печати оттисков с дерева известна в Японии с древности. Она проникла в Японию из Китая через Корею. Ксилография использовалась для печати буддистских текстов ещё в VIII веке. В XVIII и первой половине XIX века техника ксилографии достигла своего расцвета: в одном только Эдо насчитывалось около тысячи мастеров-ксилографов.

Вплоть до 1740-х годов оттиски были монохромными (то есть использовался один цвет) и печатались с одной доски черной краской «суми», которая изготавливалась из сажи с добавлением рисового клея. Эти первые гравюры носили название «сумидзури-э». Затем их стали раскрашивать от руки суриком или краской «тан», составленной из серы и ртути – проще говоря, так добавился оранжевый цвет. В XVIII веке ввели технику двухцветной печати бэни-э, при которой обязательно применялись розовая и зелёная краски. Революцию в укиё-э произвёл выдающийся мастер Судзуки Харунобу, в 1764 г. впервые применивший технику полихромной (то есть многоцветной) печати.

Процесс создания ксилографии в Японии был разделен на три стадии, за каждую из которых отвечал свой мастер: художник, резчик по дереву и печатник. Важную роль играло издательство: как правило, именно издатель разрабатывал тематику, изучал спрос, приглашал художника и других специалистов и, собственно говоря, осуществлял распространение готовой продукции.

Эскиз для печати создавался художником на тонкой бумаге и многократно корректировался, проходил утверждение у издателя, а затем (внимание!) у цензора. Поэтому на всех листах укиё-э можно видеть личные печати всех, кто принимал участие в создании гравюры.

Для досок чаще всего использовалась продольные срезы деревьев вишни, груши, ну или самшита. Резчик изготавливал основную доску, как правило, уничтожая подготовительный эскиз, и делал первый оттиск, а затем использовал его для вырезания дополнительных досок. Для каждого цвета и тона, который вы видите на готовой ксилографии, вырезалась отдельная доска. В нижней части каждой доски вырезались небольшие выступы в форме латинской буквы L. Это делалось, чтобы обеспечить точное попадание последовательно наносимой на листы краски.

Кстати, среди граверов-резчиков существовала узкая специализация: например, «касирабори» – это мастера высшего разряда, выполняли изображения лиц и причёсок, «добори» вырезали менее сложные линии тела и костюмов, а «ханчия» были подмастерьями. От гравёра набор досок переходил к печатнику, который последовательно наносил краски и делал оттиски на бумагу при помощи специального овального плоского диска барэн.

Традиционно печатали до двухсот оттисков с каждой композиции, и в зависимости от последующих продаж тираж гравюры мог допечатываться. Как вы понимаете, доски после большого количества оттисков изнашивались, поэтому, в случае необходимости, стёршиеся линии на досках корректировались и подрезались.

Ну что, надеюсь, немного разобрались с ксилографией!

А теперь предлагаю немного погрузиться в “бидзин-га”, жанр, которому характерно изображение красавиц.

C развитием крупных городских центров Эдо и Осаки на свитках и ширмах появляются сцены с традиционными праздниками и развлечениями горожан. Центральными персонажами этих картин становятся молодые столичные модницы и щёголи в броских нарядах. Большое распространение получили портреты куртизанок, которые служили рекламой для заведений «весёлого» квартала Ёсивара.

С начала XVIII века появляются вертикальные изображения формата гравюры, на которых в полный рост изображались куртизанки в великолепных красочных костюмах. Стоит отметить, что, несмотря на рекламный характер, бидзин-га редко позволяли оценить истинный образ очередной «королевы красоты». Скорее это был собирательный портрет, отражающий веяния моды в костюме, гриме и причёске.

Признанным мастером и одним из самых ярких представителей жанра бидзИн-га по праву считается КитагАва УтамАро. Женский облик в его работах подвергается усиленной типизации. Идеалом женской красоты в произведениях мастера становятся вытянутые овал лица и пропорции тела, традиционная высокая прическа, глаза, очерченные минимальным количеством штрихов, тонкие линии губ и прямой нос. При этом для изображения одной детали Утамаро мог употреблять несколько десятков досок. Благодаря постоянным поискам мастера, палитра укиё-э обогатилась множеством нюансных тонов. Так, например, художник впервые стал смешивать золотой и серебряный порошок для достижения эффекта мерцания фона. 

Созданный УтамАро идеал женской красоты вдохновлял как современников, так и более молодых художников, которые постепенно успожняли жанр: развивали многофигурные композиции и наполняли портреты многочисленными деталями. Эта тенденция усилилась в творчестве ТоёхАры КунИтики, ученика УтАгавы КунИсады. Обязательно посмотрите его триптих. Автор изображает куртизанок высшего ранга, отличительным умением которых было создание впечатления роскоши и неприступности. ТАю, как их называли в Осаке, КиОто, и Ойран – как их называли в Эдо – мастерили очень сложные причёски, с большим количеством украшений, надевали кимоно в три и более слоев с длинным шлейфом и огромным декоративным бантом спереди. В триптихе КунИтики композиция становится сложной и многослойной, подобно одеяниям и прическам гейш, пронзенным десятками шпилек.

На протяжении многих тысячелетий история Японии – это история непримиримых межклановых войн и борьбы за власть между сёгунами.

Согласно легендарным «Записям о делах древности» и «Анналам Японии» начала VIII века, императоры являются прямыми потомками богини солнца Аматэрасу. Династия не прерывалась с VI века до н.э. до нынешнего правящего императора Акихито.

Чтобы удержать власть, императорский род заключал союзы с другими крупными кланами. Вследствие этого, в 1192 году Минамото Ёритомо стал первым военным правителем страны Восходящего солнца – сёгуном. В отличие от императора, его фигура не была сакральной, он не считался воплощением богов на земле, но стал фактическим главой правительства.

Самураи – «буси» – это не просто войны, но и телохранители, чиновники, а в повседневной жизни – слуги своего сюзерена. «Золотой век» для самураев наступил в эпоху Эдо, когда они получили множество привилегий. Им было разрешено носить два меча, большой и малый, тогда как остальные могли носить только один, малый. Токугава Иэясу назвал меч «душой самурая». Меч воплощал символ боевого духа и чести самурая. Он считался фамильным сокровищем и считался наделённым сакральными свойствами.

Каждый самурай развивал силу духа с помощью практики дзэн-буддизма, руководствуясь сводом этических правил и норм поведения в обществе и дома – Бусидо или «Путь воина».

B 1868 году произошла реставрация Мэйдзи, когда после периода гражданской войны была восстановлена власть императора. Он начал стремительную модернизацию страны по западному образцу. В 1873 году была проведена военная реформа: самурайские войска распустили. Последним ударом стал закон, запрещавший ношение мечей и упразднивший само сословие. Так наступил конец истории многовековой культуры сёгуната и самураев.

Ну что же, так называемый период Эдо, а это с 1603 по 1868 год характеризуется расцветом городской культуры.

Быстро богатеющее четвёртое сословие торговцев и ремесленников Эдо, Óсаки, Киото и Нагасаки всё больше стремилось к роскоши, плотским утехам «весёлых кварталов» и просто к беззаботному времяпрепровождению.

Художники в свою очередь сосредоточились на изображениях уличных сценок, чайных домов, театров, праздничных шествий, то есть на повседневных заботах и развлечениях горожан, которые впервые в истории японского искусства стали не только героями художественных произведений, но также и активными покупателями этих самых художественных произведений. Все то, что в западной традиции принято называть бытовым жанром, а в Японии – «фудзоку-га» (они же «картины нравов и обычаев»), стало даже популярнее традиционного пейзажа.

Оживленные пристани, торговые и ремесленные районы изображались в разное время суток и в разные сезоны: например, с цветущими деревьями или же уже под шапками снега. Первые 10 листов из своей серии «36 видов Фудзи», а также позднюю серию «100 знаменитых видов Эдо» Андо ХирОсигэ посвятил видам восточной столицы и его жителям. В них мы можем найти и шествие по улице района Саругатё, на которой располагались знаменитые магазины тканей, и рыбный рынок Уогаси.

Городские пейзажи в рисунках мастеров укиё-э, с одной стороны, подчеркнуто реалистичны и хорошо узнаваемы, а с другой стороны, в них часто встречаются мотивы мистики и народных поверий. Например, среди листов «100 знаменитых видов Эдо» встречается изображение огненных лис, которые, согласно легенде, владеют волшебством и служат синтоистской богине Инари, а также собираются стаей в новогоднюю ночь под деревом эноки. Этот сюжет можно увидеть на гравюре Андо ХирОсигэ, представленной в экспозиции.

Встречаются в произведениях графики и просто юмористические сюжеты. У Андо ХирОсигэ для таких листов был даже отдельный псевдоним – «ХирОсигэ с игривой кистью». Сатира могла быть как безобидной, так и достаточно остро-политической: высмеивала порядки разных сословий и не щадила ни самураев, ни буддийских монахов. Необходимо заметить, что и работы самого ХирОсигэ стали предметом иронии его же ученика Утагавы ХирОкагэ. Серия «Комические виды знаменитых мест в Эдо» Хирокагэ напрямую отсылает к знаменитой серии учителя, с той только разницей, что в ней городские жители попадают во всевозможные неловкие ситуации, чем вызывают смех у зрителя. Рассмотрите гравюры из этой серии внимательно – может и вам где-то станет смешно. Повторюсь, “Утагава ХирОкагэ, серия «Комические виды знаменитых мест в Эдо». А я пойду дальше!

Один из видов японской гравюры укиё-э, который восходит к традиционному жанру китайской живописи, это катё-э, или катё-га. Выдающиеся мастера Поднебесной были хорошо известны и в Японии. В то же время любование распустившимися цветами весной и летом, листьями клёна осенью стали неотъемлемой частью японской эстетики и одним из способов естественной близости к природе и медитации в духе дзэн-буддизма. Культивирование цветущих растений и кустарников было обычной практикой в каждом доме.

Практически все виды садовых цветов проникли в Японию из Китая, включая хризантему (по-японски – «кику» – «цветок солнца»), которая вскоре стала национальным цветком страны. 

В 1496 году в Киото вышла книга с ботаническим описанием более 10 разновидностей хризантем, резко отличавшихся друг от друга по форме цветка и окраске. Цветной печати в то время еще не было, поэтому оттенки сортов описывали словами. Названия оттенков японских хризантем имели очень поэтичные названия: «утренняя заря», «вечерний заход солнца», «северный ливень», «туманное утро», «львиная грива», «блеск меча». С появлением же цветной гравюры начали выходить многотомные альбомы-сборники, где описания играли меньшую роль, а на первый план выходил уже художественно-изобразительный аспект.

B XVIII веке в Киото на так называемой «улице художников» Сидзё была основана школа японской классической натуралистической живописи Маруяма-Сидзё. Ее основатель, художник Маруяма Óкё, разрабатывал синтез идей и техник японской, китайской и европейской живописи. Масштабные изображения картин природы, птиц и цветов на экранах и многосоставных ширмах становятся излюбленным форматом работы мастеров этой школы.

Одним из прославленных учеников Маруяма-Сидзё был Коно Байрэй – ведущий мастер школы укиё-э, работавший в жанре катё-га в период Мэйдзи (а это с 1868 до 1912 г.). Он создал огромное количество стАнковых гравюр, несколько иллюстрированных книг и альбомов. Особое место среди них занимает «Альбом птиц и цветов» 1883 года, в котором художник использовал оригинальный прием изображения птиц и цветов в определенное время года. Гравюры выходили как отдельными изданиями, так и комбинировались блоками: весна-лето, осень-зима. Ксилографии Коно Байрэя из этого “Альбома” вы можете увидеть в нашей экспозиции. А я предлагаю двигаться дальше!

Ну что же, самый, вероятно, выдающийся мастер ксилографии, по его собственным дневниковым признаниям, до 70 лет не создал ничего значительного и только позже начал непрерывно развиваться. На протяжении своей долгой жизни он использовал не менее (внимание!) тридцати псевдонимов и по их числу существенно превзошел других авторов. Сейчас эти псевдонимы рассматриваются исследователями для периодизации этапов творчества мастера. Кацусика – также всего лишь псевдоним, обозначающий район, откуда Хокусай был родом. В 1800 г., в возрасте 41 года, он стал называть себя Гакёдзин Хокусай, то есть «Одержимый рисунком Хокусай».

Художник обращался к различным жанрам ксилографии: среди них портреты популярных актеров, иллюстрации к книгам, поздравительные открытки «суримоно», ну и манга. Но именно в пейзажном жанре «фукэй-га» соединились все находки мастера. Смотрите, классический дальневосточный пейзаж игнорировал реальный облик объекта, стремясь посредством природных форм воплотить философские идеи бытия, а вот у Хокусая в то же время пейзаж всегда связан с конкретной местностью, и топографические особенности этой местности нередко уточняются с помощью надписей.

Ну и, конечно же, хочется немного рассказать о самой, пожалуй, знаменитой серии Хокусая. Он создал свою самую известную серию работ «Тридцать шесть видов Фудзи» уже в зрелый период творчества с 1823 по 1831 годы, когда ему было, мягко говоря, о-о-очень много лет. Что за Фудзи? А Фудзи – это действующий, правда, слабоактивный вулкан, который считается священным и стал местом паломничества в буддистском и синтоистском культах. Серия имела такой небывалый успех, что издатель Нисимура Ёхати вскоре анонсировал планы по ее расширению до 100 гравюр. Однако свет увидели только десять новых работ, поэтому серия в итоге состояла из 46 листов.

В первых 36 видах священная гора Фудзи изображена со стороны Эдо, поэтому эти гравюры называются «омотэ ФУдзи», то есть «Фудзи с лицевой стороны». На последующих же 10 гравюрах изображение представлено преимущественно с западной стороны, поэтому они называются «ура ФУдзи», то есть «Фудзи с обратной стороны».

Андо Хиросигэ – один из наиболее ярких представителей жанра пейзажа в укиё-а и самый успешный последователь Кацусики Хокусая. В знак почтения к творчеству своего старшего учителя он создал после его смерти одноименную серию «36 видов горы Фудзи».

Родившись и большую половину жизни прожив в Эдо, мастер практически пятую часть из всех созданных листов посвятил видам родного города. Последняя серия работ носила название «100 известных видов Эдо» и была выполнена мастером в период, когда он уже удалился от мира в буддийский монастырь в 1856 г.

Художник не раз покидал столицу и отправлялся в долгие путешествия по Японии, в которых создавал альбомы зарисовок с видами провинций.

Именно в одном из таких путешествий и была создана самая, пожалуй, знаменитая серия автора – «53 станции Токайдо». Одна из главных дорог Японии – Токайдо, или «Путь восточного моря», протяжённостью около 514 км – соединяла столицу сёгуната Эдо с императорским городом Киото и далее с Осакой. Вдоль этой дороги и были как раз расположены 53 почтовые станции, где путникам предлагался ночлег, еда и конюшни. Ни один из сюжетов, за исключением горы Фудзи, не был так популярен, как изображение этого древнего тракта. Хиросигэ преодолел его в 1832 г. в составе торжественной процессии, направлявшейся в Киото с подарками императору.

Полностью серия состоит из 55 гравюр, так как к 53 станциям Токайдо добавлены два листа с видами Эдо и Киото.

ХирОсигэ интересуют все этапы движения процессии: в них переплетаются и величественные прибрежные и горные пейзажи, и простые бытовые зарисовки на станциях: переправы через реки, обеды в придорожных заведениях и обогрев у очага среди бескрайних полей. Мастер использует и прямую перспективу, и виды с высоты птичьего полета, создавая развернутое повествование. напоминающее кадры киноленты. Однако прежде всего он создаёт поэтический образ природы.

Данная серия имела чрезвычайный успех, который можно объяснить тем, что путешествия были востребованы среди широких слоев населения Японии. Паломничество к священным местам часто было единственным способом отдыха работников. Маршруты детально прорабатывались заранее. И гравюры мастера помогали не только погрузиться в мечтания о предстоящем отдыхе, но и детально выстроить собственную карту движения по прекрасным окрестностям Японии.

Кабуки – один из видов традиционного театра Японии, который представляет собой сложный синтез пения, музыки, танца и драмы. Само слово “кабуки” складывается из трех иероглифов, которые обозначают «песня», «танец» и «мастерство».

В отличие от аристократического театра но, кабуки считается искусством для горожан и простого народа. Театр, в котором все женские роли исполняются исключительно мужчинами, на самом деле был создан женщиной. Основательницей кабуки считается легендарная храмовая танцовщица Идзумо-но Окуни, которая впервые начала показывать ритуальные танцы под аккомпанемент музыкальных инструментов за пределами святилища. В 1629 году правительство третьего сёгуната Иэмицу запретило любые представления с участием женщин, так как они якобы подрывали моральные устои общества. С тех пор все роли в театре кабуки стали исполняться исключительно мужчинами.

В кабуки все элементы, начиная с грима актеров, костюмов и заканчивая позами, несут большую смысловую нагрузку. На лицах мужских персонажей, выбеленных рисовой пудрой, рисуются цветные полосы, каждая из которых служит олицетворением определенной черты характера. Для женских ролей же используется более утрированный вариант макияжа гейш без грима.

Пьеса театра кабуки гораздо длиннее, чем европейские постановки: отдельные представления, особенно исторические дзидай-моно, могут длиться (ой-ёй) аж весь день. Удлиненная часть сцены в виде подиума выходит непосредственно в зрительный зал, а основная часть может вращаться. Кроме того в ней имеются люки, которые позволяют актерам неожиданно появляться и исчезать. Декорации постановок часто меняются в середине акта: их меняют рабочие, облачённые в черные костюмы – такой цвет означает их «невидимость».

Кабуки имеет тесную взаимосвязь с традиционным кукольным театром бунраку. Куклы в нём изготавливаются в размере от ½ до  ⅔ человеческого роста и управляются тремя операторами. Практически все части тела куклы очень подвижны, включая голову, у которой моргают и двигаются глаза, шевелятся брови и губы, и даже высовывается язык. Две самые известные пьесы японского театра – «47 верных ронинов» и «Ёсицунэ и тысяча ветвей сакуры» – изначально были написаны для бунраку и лишь затем адаптированы для театра кабуки.

Хóкку, также известное как хАйку – это традиционная форма японской поэзии, зародившаяся в 17 веке. Хокку обычно состоит из трех строк с количеством слогов 5-7-5, хотя современные версии этой формы могут отклоняться от этой структуры. Цель хокку – создать яркий и пронзительный образ на очень небольшом пространстве, используя простой язык и естественные образы. Эта поэтическая форма обычно посвящена природе и смене времен года и часто включает в себя буддийскую и синтоистскую философию.

Хокку стала популярной во всем мире, вдохновляя поэтов и писателей на создание собственных вариаций этой формы. В наше время хокку адаптировали к различным языкам и культурам и использовали для изучения широкого круга тем и сюжетов. Хотя традиционная форма хокку со временем претерпела изменения, ее суть остается неизменной: это восхищение красотой природного мира и размышление о быстротечности жизни.

Мы не могли пройти мимо столь выразительной формы японской поэзии, поэтому решили использовать искусственный интеллект для визуализации коротких, но очень ёмких текстов хокку. Такая немного нестандартная интерпретация может помочь создать новые творческие вариации этой поэтической формы. Мы выбрали несколько хокку величайших мастеров и попросили нейросеть Midjourney воссоздать их в стиле талантливейшего японского режиссёра и аниматора Макото Синкая. Почему остановились на этом стиле? Мы просто уверены, что стиль именно этого японца может создать мощное эмоциональное воздействие на зрителя, вызывая чувство красоты, ностальгии и удивления. Надеемся, что у нас получилось!

Японский сад, в отличие от европейского, создается не столько для отдыха и развлечения, сколько для совершенствования духа и постижения баланса вселенной через медитацию. Философия дзэн-буддизма обусловила появление в XIII в. знаменитых «сухих садов» или сада камней, где растения присутствуют в минимальном количестве или их нет вообще. Все элементы носят подчеркнуто природную форму: если это стихия воды, то обязательно в виде извивающихся ручьев и будто естественным образом возникших небольших водоемов. Дорожки прокладываются словно тропинки в лесу, обегающие мхи, клумбы и деревья.

Даже в самых маленьких прудах японцы издревле выращивают карпов кои. Они символизируют храбрость и стойкость. Рыбы бывают самой причудливой окраски с пятнами красного, чёрного, белого, жёлтого, оранжевого, синего, зелёного или жемчужного цвета.

Считается, что кои обладают индивидуальным характером и могут узнавать своих хозяев.

Неотъемлемой частью растительного наполнения сада являются карликовые хвойные, лиственные и плодовые деревья: сосна, можжевельник, клён, сакура. Бонсай привезли на острова буддийские монахи еще в VI веке из Китая, где существовала легенда о том, что один из императоров династии Тан повелел создать у себя во дворе копию всей империи в миниатюре на мраморной плите со всеми горАми, реками, городами и жителями. Для этого величественного макета и создавались первые миниатюрные деревья. Поэтому само слово «бонсай» дословно переводится с китайского как «выращенное на подносе».

В этом виде искусства японцы достигли непревзойденного уровня, который заключается в умелом формировании корневой системы и кроны на протяжении десятилетий. Мастера имитируют естественные состояния деревьев в природе, растущих в расщелинах камней, у воды, упавших в болото, изгибающихся на ветру или пронзённых ударом молнии.

Мы постарались сделать ваше посещение проекта немножко более полезным и, надеемся, занимательным. Хочется верить, что у нас получилось. Не забудьте подписаться на наши социальные сети, которые найдете прямо на страничке с подкастом. Наши социальные сети всегда открыты для ваших конструктивных пожеланий и замечаний по подкасту, да и по всему выставочному проекту в целом.

Искренне хотим поблагодарить нашего генерального партнёра – Открытое акционерное общество «Минск Кристалл», а также официальных партнёров – сеть кофеен Cofix и сеть магазинов аксессуаров и гаджетов Портатив при поддержке которых мы реализовали этот выставочный проект.

Дзякуй, что сегодня были с нами!